Jason Samuels-Smith, Joseph Webb, Dormeshia Sumbry-Edwards, Derick J. Grant i Omar Edwards. Zdjęcie: Stark Photo Productions. John F. Kennedy Center for the Performing Arts w Waszyngtonie
7 października 2017 r.
Jeszcze przed rozpoczęciem spektaklu nowo wyremontowany teatr Terrace był pełen wrażeń, ponieważ miłośnicy tańca po raz pierwszy mogli rzucić okiem na piękną przestrzeń. Dzisiejszy występ Lotos był dopiero drugim przedstawieniem w Terrace Theatre od jego ponownego otwarcia i pierwszym programem tanecznym w przestrzeni, która w przeszłości była domem dla bardziej intymnych programów tańca współczesnego produkowanych w Kennedy Center. Widząc w przeszłości wiele przedstawień tanecznych w tej przestrzeni, ekscytujące było być jednym z pierwszych, którzy zobaczyli zrekonfigurowany hol i otwartą klatkę schodową, wraz z zawieszoną rzeźbą ze złota i bursztynu. Uprawniona Żyrandol, utwór został stworzony przez artystę Dale Chihuly specjalnie na ponowne otwarcie Terrace. Publiczność była zdecydowanie w nastroju na dobrą zabawę, a potężna obsada Lotos nie zawiódł.
Jason Samuels-Smith, Joseph Webb i Omar Edwards. Zdjęcie: Stark Photo Productions.
W programie wystąpiło sześciu legendarnych taperów, którzy razem zadebiutowali w Wprowadź „da Noise, Bring in” da Funk 21 lat temu. Towarzyszył im Lafayette Harris Jr. Quintet, który był na scenie z tancerzami przez cały program. Entuzjazm publiczności związany z nowym wyglądem Terrace Theatre po prostu dodał radosnej, rodzinnej atmosfery przedstawienia, które rozpoczęło się żywym jam session z udziałem pełnej obsady. Gdy wykonawcy jeden po drugim wchodzili na scenę, publiczność wybuchała oklaskami i wiwatowaniem każdego z nich, podczas gdy wykonawcy witali się nawzajem i tłum swoim grzmiącym dźwiękiem i zaraźliwą energią. Omar Edwards wszedł do mikrofonu i zagrał gospodarza imprezy, wyjaśniając, że przybyli tutaj, aby uczcić afrykańsko-amerykańską tradycję kranu, która rozkwitła pomimo wielu wyzwań - tak jak kwiat lotosu kwitnie w błocie. Ubrany w elegancki, biały trzyczęściowy garnitur, Edwards wyciął uderzającą figurę, jednocześnie na przemian przekomarzając się z tłumem i wykonując duże, luźne, figlarne ruchy z dużymi kopnięciami i slajdami, przerywając funkcyjne rytmy.
Gdy inni wykonawcy zniknęli za kulisami, atmosfera na przyjęciu opadła, a Edwards rozpoczął bardziej intymny, autobiograficzny monolog o wpływie opukiwania na jego życie. W swego rodzaju wezwaniu i odpowiedzi ze strony zespołu na scenie, stopy Edwardsa rozmawiały z muzyką w przestrzeni pomiędzy jego dialogiem z publicznością. Mistrz gawędziarz - słowem i czynem - Edwards opowiada historię swojej matki, która dorastała w Liberii i nigdy nie posiadała pary butów, dopóki nie była dorosła. Z mieszanką czułości i humoru opowiada rodzinną legendę o tym, jak jego matka pracowała jako ludzka strach na wróble, boso i dziko machając godzinami na polach, aby chronić plony przed ptakami i innymi szkodnikami. Na cześć jej doświadczenia zdejmuje błyszczące białe buty do stepowania i oferuje krótki, ale wzruszający taniec bosymi stopami w hołdzie swojej matce. Delikatna, zawiłość dźwięku, którą tworzyły tylko jego bose stopy w ciszy, była zaskakująco poruszająca i przejmująca. Kiedy przedstawienie zakończyło się godzinę później, ten obraz utkwił we mnie - Edwards i jego nagie stopy waliły na scenie, dając głos opowieści swojej matki.
Gdy Baakari Wilder wszedł w przestrzeń, zbudował na intymności tej chwili swoim subtelnym, rzadkim stukaniem w rozmowę własnym nagranym głosem. Podczas gdy lektor mówi o związku między jego wiarą a jego sztuką, które służą jako czynniki wzrostu w jego życiu, Wilder nadal tka na scenie zaklęcie lekkimi, złożonymi rytmami, które wydają się wypływać z jego serca tak samo jak z jego stopy. Wilder był jak filozof w butach do stepowania. Nawet bez kontekstu, jaki zapewnia lektor, jego lekkie, kontrolowane ruchy i niezwykłe rytmy dały mi poczucie przemyślanej introspekcji i pokornej wdzięczności.
Gdy jego ciche solo dobiegło końca, rozpoczął się cykl projekcji, w którym przy żałobnym brzmieniu trębacza Josepha Jamaala Teacheya pojawiły się czarno-białe obrazy afroamerykańskich mężczyzn i kobiet. Po kolei pozostali członkowie obsady weszli na scenę i stali plecami do publiczności, obserwując projekcje z refleksyjnym szacunkiem. Po ponownym zebraniu pełnej obsady zaczęli mówić jednym głosem, mimo że zachowywali indywidualność wyrazu. To było potężne stwierdzenie jedności w różnorodności, widzieć, jak każdy z tych mistrzowskich wykonawców dopasowuje do siebie dźwięk bez poświęcania własnego, niepowtarzalnego stylu lub naśladowania nawzajem ruchów. Chwila skończyła się tak, jak zaczęła się, gdy performerzy oglądali obrazy na ekranie za nimi i po kolei schodzili ze sceny.
Następnie, prawie w ciemności, puzonista Reginald Cyntje i trębacz Teachey wstali z miejsca w zespole, aby zająć swoje miejsce w snopie światła padającym z prawego rogu sceny. Światło stworzyło ścieżkę, w której solo Josepha Webba rozwijało się z lekkimi, szybkimi dźwiękami, które uparcie naciskały do przodu, gdy głos głosowy przemawiał do podziwu Webba dla Harriet Tubman. W nagraniu Webb opowiada o tym, jak gotowość Tubmana do „wybrania wolności zamiast śmierci, aby uwolnić siebie i innych” zmotywowała go jako człowieka i artystę do wytrwałości. Na scenie Webb prowadzi dwóch muzyków przez snop światła iz powrotem na ich miejsca, podczas gdy ścieżka znika za nimi, a cała scena jest oświetlona. Uporczywe, niemal jak silnik łomotanie stóp Webba, w połączeniu z muzyką i oświetleniem Susan Kilbourne, wywołało pracę Tubmana jako silnika i serca kolei podziemnej.
Całkowicie zmieniając nastrój, Dormeshia Sumbry-Edwards wślizguje się na scenę w sylwetce, ubrana w efektowną czerwoną sukienkę z frędzlami i błyszczące złote szpilki, aby poprowadzić powtórkę imprezowej atmosfery, która rozpoczęła koncert. Towarzyszy jej Jason Samuels-Smith, który jest podobnie ubrany na tę okazję w ostry trzyczęściowy niebieski garnitur, złote oksfordy i okulary przeciwsłoneczne gwiazdy filmowej. Nie można pominąć, Derrick K. Grant dołącza do tego krzykliwego duetu, aby stworzyć ścianę dźwięku, która wydawała się znacznie większa niż trzech wykonawców na scenie. To trio bardziej niż jakakolwiek inna sekcja pokazu miało brawurę i błysk numeru teatru muzycznego, ale zgodnie z tradycją rytmicznego tapingu tancerze współtworzyli kompozycję, zapewniając zespołowi skomplikowany muzyczny kontrapunkt, podczas gdy również emanując atmosferą figlarnego flirtu między sobą i publicznością. Ta część programu zdecydowanie zadowoliła publiczność, skłaniając publiczność do okrzyków i okrzyków.
Kiedy chłopaki wyszli, głos Dormeshii odbił się echem w przestrzeni, odzwierciedlając stukanie jako rodzaj terapii dla niej osobiście, ale także odpowiedzialność za honorowanie i podtrzymywanie formy sztuki dla innych. Niestety, jej nagrany głos i potężny dźwięk nie zawsze były dobrym połączeniem i czasami trudno było zrozumieć słowa narracji w jej tupotach jej kroków. Kiedy lektor wreszcie się skończył, zespół się włączył iw tym momencie publiczność wydawała się być w stanie osiedlić się w wesołym rytmie radosnych rytmów Dormeshii bez ciężaru próby rozszyfrowania słów i dźwięku w tym samym czasie. Gdy cała obsada ponownie dołączyła do niej na scenie, zarówno publiczność, jak i wykonawcy zdawali się rozkoszować powrotem całej obsady w taki sposób, że spędzanie czasu z najlepszymi przyjaciółmi jest zarówno relaksujące, jak i energetyzujące.
Derick J. Grant, Dormeshia Sumbry-Edwards, Joseph Webb, Baakari Wilder, Jason Samuels-Smith i Omar Edwards. Zdjęcie: Star Photo Productions.
Przed nieuchronnym wielkim finałem program dopełniły jeszcze dwie solówki. Po pierwsze, głos Samuelsa-Smitha opowiadał o jego zachwycie dla wspaniałego dr Jamesa „Butter” Browna, który wszedł na scenę z charakterystyczną mieszanką ryzykownych slajdów, zwrotów i kopnięć. Potem, po krótkim optymistycznym rytmieW przerywniku z pełną obsadą Grant ma ostatnie słowo, mówiąc o swoim zaangażowaniu w „wchodzenie do pokoju najpierw nogami” i „dawanie przykładu”. Wszedł na scenę z jasnym, nieubłaganym dźwiękiem, posypanym zaskakującymi skokami i zjeżdżalniami, które były równie zabawne w swoim rytmie, jak imponujące trudnościami. W pewnym momencie big-bandowy dźwięk muzyki wybucha w bardzo dobrze znane zagrywki „Take the A Train”, a Grant robi coś w rodzaju żartu z stepowania, wypuszczając kilka bawołów, które z pewnością są znane każdemu początkującemu studentowi stepowania. Publiczność najwyraźniej zrozumiała żart, gdy ludzie wokół mnie śmiali się, podskakując na swoich siedzeniach w rytm mocnego, mocnego brzmienia Lafayette Harris Jr. Quintet.
W końcu cała obsada wyłoniła się z cienia, aby obejrzeć kolejną serię projekcji zdjęć o wiele młodszych wersji samych siebie podczas trasy koncertowej, występów na scenie i spędzania czasu za kulisami. Z tymi echami początku ich relacji zawodowych i osobistych, które rozległy się za nimi, sześciu wykonawców - długoletni koledzy i oczywiście bliscy przyjaciele - po raz kolejny wyszło na scenę, by zakończyć wielki finał. Ostatecznie ten program był celebracją tych, którzy byli przed nimi, a także pięknem podróży, jaką każdy z nich odbył w ciągu ostatnich 21 lat. Z publicznością na nogach i klaskaniem, obsada Lotos uwolnili moc swoich instrumentów i wydali satysfakcjonujący rytm, aby zamknąć przedstawienie. A potem wrócili po kilka kolejnych zawołań, zakończonych bitwami na kran, ponieważ wydawało się, że nie chcą pozwolić, aby ta chwila minęła bardziej niż publiczność. Miejmy nadzieję, że nie będziemy musieli czekać kolejnych 21 lat, aby znowu zobaczyć tych tancerzy razem na scenie, ale założę się, że jeśli to zrobimy, to do tego czasu wszyscy wciąż będą stepować i będą gotowi do świętowania swojego życia.
Angella Foster z Taniec informuje.
polecany dla Ciebie
