Artyści z Broadway Connection Teaching mówią, dlaczego szkolenie w zakresie teatru muzycznego może być cenne dla tancerzy wszystkich stylów i gatunków.
Czy jesteś po kolana po kolana w pointe, owczej wełnie, pokrowcach na bułki i szpilkach bobby? A może współczesny tancerz zawsze w biegu między zajęciami, treningiem acro i najgorętszą konwencją? Jeśli tak, to czy kiedykolwiek myślałeś o szkoleniu w teatrze muzycznym? Jeśli nie, to teraz jest czas! Ponieważ obecnie tancerze wciąż się rozwijają, nie zapomnij pominąć teatru muzycznego.
Szkolenie w zakresie teatru muzycznego może naprawdę przynieść korzyści tancerzom innych stylów i gatunków na różne sposoby. Nie wspominając o tym, że nigdy nie wiesz, kiedy Twoje studio lub przyszła firma podejmie musical. Dobrze by było, gdybyś był przygotowany!
Callan Bergmann.
Dance Informa skontaktowała się ostatnio z trzema artystami nauczającymi z Broadway Connection (BC), którzy opowiadają, dlaczego szkolenie w zakresie teatru muzycznego może być tak korzystne. Pierwszy artysta pne, Callan Bergmann , pracuje nad nową produkcją na Broadwayu Koty . Wcześniej występował na Broadwayu w Rodgers and Hammerstein’s Kopciuszek , Off-Broadway w komedii Cisza! Musical i w Dżentelmen wolą blondynki w City Center Encores. Koncertował także w kraju i za granicą Mary Poppins i Pippin .
Bergmann mówi, że studiowanie teatru muzycznego może być korzystne dla tancerzy z innych środowisk i skupia się na technice, ponieważ przypomina ci, że „taniec polega na opowiadaniu historii”.
Wyjaśnia: „W innych formach tańca łatwo o tym zapomnieć, ale w teatrze muzycznym na pierwszym planie jest zawsze opowiadanie historii. Myślę, że kiedy tancerze, którzy koncentrują się na innych technikach, studiują teatr muzyczny, pomaga to w opowiadaniu historii z ich głównym stylem tańca ”.
Członek wydziału BC Brittany Conigatti , który obecnie występuje w West Side Story , całkowicie się zgadza. Przeszła wiele szkoleń - jest absolwentką „The Fame School”, uzyskała tytuł licencjata w The New School i intensywnie trenowała pod okiem Paula Taylora, Joffrey Jazz and Contemporary oraz American Music and Dramatic Academy - i występuje w całym kraju w Disney's Beauty and the Beast , Elf , A Bronx Tale , Skała Wieków , Słodka miłość , Człowiek muzyki , Lakier do włosów i Matilda .
„Teatr muzyczny skupia się na opowiadaniu historii poprzez wiele czynników: język, dialogi, teksty i oczywiście ruch i choreografię, aby przekazać wiadomość lub historię publiczności” - mówi. „Myślę, że studiowanie teatru muzycznego dopełnia wykonawcę, dając mu bardzo specyficzny punkt wyjścia do komunikowania się i rzucając wyzwanie tym wykonawcom, aby komunikowali się nie tylko za pomocą technik tańca, których się uczą, ale także całego siebie.
Roddy Kennedy.
Podobnie członek wydziału BC Roddy Kennedy , który obecnie występuje w przeboju na Broadwayu Hamilton zgadza się z Bergmannem i Conigattim, uznając opowiadanie historii za ważną cechę teatru muzycznego. Jego doświadczenie w tournee z produkcjami Smar , Sława , Na wysokościach , Józef… i Piżama Game dało mu głębsze zrozumienie tego, czego wymaga opowiadanie historii i dlaczego tancerze muszą studiować je w kontekście muzycznego teatru.
„Odkryłem, że taniec w teatrze muzycznym zaczynamy od opowiadania historii i ruchu opartego na intencjach” - mówi Kennedy. „Skupiasz się na szkoleniu w zakresie teatru muzycznego, w przeciwieństwie do treningu z zewnątrz do wewnątrz, który znajdujemy w przypadku szkolenia technicznego”.
Wyjaśnia: „Oznacza to, że od samego początku w teatrze muzycznym, dając ruch, ty jako„ artysta ”jesteście zobowiązani do zadawania pytań„ Dlaczego? ”Dlaczego moja postać jest zmotywowana do poruszania się w ten sposób? Ruch skupia się na natychmiastowej rozmowie o przyczynie i wpływie w ramach fabuły tego numeru i całej fabuły serialu. Po nakreśleniu tego, cofamy się i finezujemy ruch za pomocą treningu techniki tanecznej, podczas gdy w balecie, stepowaniu, jazzie lub hip hopie skupiasz się na podstawowej technice ruchu i prawidłowym ułożeniu / ułożeniu ciała na początku, a następnie dodaj warstwy wydajności ”.
Conigatti zwraca uwagę, że trening teatru muzycznego pomaga również nauczyć tancerzy, jak używać głosu. W liceum, kiedy uczyła się w „The Fame School”, wspomina przesłuchanie i tworzenie obsady do swojego pierwszego profesjonalnego musicalu, Paper Mill Playhouse’s Disney High School Musical na scenie.
Brittany Conigatti. Zdjęcie: Robert Mannis.
„Będąc tak młodym i nowym w świecie teatru muzycznego, wchodzenie do sali prób na musical znacznie różniło się od wchodzenia na salę taneczną lub koncert, do jakiej byłam przyzwyczajona” - mówi. „Na przykład fascynował mnie sposób prowadzenia prób muzycznych. Na tamtym etapie mojego życia nie brałem żadnych lekcji śpiewu, z wyjątkiem jednej lekcji grupowej, podczas której uczyłem się „All That Jazz”. Niewiele wiedziałem o teatrze muzycznym, poza tym, że uwielbiałem chodzić na przedstawienia na Broadwayu. Tak więc, kiedy przychodził czas na próby muzyczne, nagrywałem wszystko, co zostało powiedziane, siadałem i pisałem definicje obok różnych nut lub zapisów w muzyce, tak że kiedy wracałem do domu, mogłem zacząć wpadać na pomysł, jak do tego, o czym mówił dyrektor muzyczny ”.
Ten wypad do teatru muzycznego pozwolił jej po raz pierwszy naprawdę sprawdzić swój głos i nauczyć się czytać i interpretować muzykę, dając jej przewagę nad innymi tancerzami, którzy nie mieli pojęcia, jak to zrobić. W tym samym duchu Bergmann zwraca uwagę, że teatr muzyczny daje wykonawcom „znacznie lepsze zrozumienie muzykalności”.
„Muzyczność to coś, co naprawdę oddziela niesamowitego tancerza od dobrego tancerza” - mówi.
Oprócz powodów, o których już wspomniano (opowiadanie historii, używanie głosu i wzmacnianie muzykalności), Conigatti mówi, że teatr muzyczny jest również korzystny, ponieważ często daje ci szansę na wyjątkowy rozwój umiejętności pracy zespołowej, poszerzenie zestawu narzędzi partnerskich, zwiększenie twoją zdolność adaptacji i elastyczność, a także wzrost osobistej pewności siebie, gdy ćwiczysz nowy typ jakości wykonania.
W pewnym momencie mówi: „Myślę, że przesłuchania do teatru muzycznego pchnęły mnie do poczucia bezpieczeństwa z tym, kim jestem i co wiem, że wnoszę do stołu jako wykonawca. Talent nie zawsze jest tym, co decyduje lub łamie decyzje - wiek, wzrost, typ sylwetki, kolor włosów itd., Wszystko to staje się czynnikami w tej branży. Czuję się bardzo szczęśliwy, że w tak młodym wieku moi rodzice wprawili mnie w taniec i od tego czasu mam szczęście odkrywać inne miejsca, takie jak konwencje i kursy mistrzowskie, uczęszczać do jednej z najlepszych szkół artystycznych w kraju, do teraz móc realizować swoje marzenie! Moja podróż od małego do teraz pozwoliła mi rozwinąć się jako performer. Podejmuję każde wyzwanie i staram się odnieść sukces. Wszystko to łączyło teatr muzyczny. Pozwala mi to wejść na scenę noc po nocy i używać swojego ciała jako narzędzia do dzielenia się przesłaniem / morałem z opowieści ”.
Artyści Broadway Connection. Zdjęcie: Krista Greves.
Dla tancerzy-uczniów, którzy chcą po raz pierwszy (lub po raz kolejny) zagłębić się w teatr muzyczny, Połączenie Broadway oferuje kursy mistrzowskie i warsztaty na terenie całego kraju. Szkoły i studia zachęcają tych artystów do nauczania w ich domowych przestrzeniach, oferując intymną opiekę mentorską i poradnictwo w tym stylu tanecznym. Oprócz wielu już omówionych korzyści, BC Teaching Artists stara się również przekazać coś jeszcze bardziej znaczącego - edukację, jak być „kreatywnymi” i „twórczymi” w życiu.
Współzałożycielka BC i dyrektor artystyczna Jennifer Jancuska mówi: „Szkolenie teatru muzycznego zachęca, uczy i inspiruje tancerzy do bycia twórczymi artystami z głosem. W teatrze współpracujemy jako zespół, aby opowiedzieć historię, komunikować się. Umiejętności te przekraczają granice techniki tanecznej i są niezbędne we wszystkich dziedzinach życia. Poza tym to fajna zabawa! ”
Bergmann podkreśla to, dodając: „Myślę, że młodzi ludzie zainteresowani karierą taneczną muszą być artystami, a nie technikami. Broadway Connection oferuje możliwość nie tylko rozwijania umiejętności tanecznych, ale także odkrywania artystycznego myślenia. Eksperymentowanie na zajęciach pozwala na proces twórczy, na który muszą być narażeni młodzi artyści ”.
Kennedy, który jest pasjonatem eksploracji i eksperymentowania, mówi, że należy się tego nauczyć, ponieważ „posiadanie środowiska, które umożliwia i wspiera bezpieczne podejmowanie ryzyka i ewentualne niepowodzenie jest the najbardziej udana atmosfera ”. Dodaje: „Jako rodzic powinieneś do tego zachęcać swojego młodego artystę. Naprawdę daj im możliwość traktowania tańca lub teatru muzycznego jak każdego innego projektu naukowego lub historycznego. Niech uczą się i badają. Niech ćwiczą i rozmawiają z nimi na temat ich postępów ”.
Artyści Broadway Connection. Zdjęcie: Krista Greves.
Conigatti zauważa: „Posiadanie takiego nastawienia i skupienia wpływa na długowieczność tancerzy, zapobiegając wypaleniu, pozwalając tancerzowi nie popaść w przyziemną rutynę. Bycie w mentalności tworzenia i eksploracji sprawia, że umysł pracuje z przyjemności, co ogólnie przekłada się na szczęście wykonawcy ”.
dziwne rzeczy, które robią tancerze?
Podsumowując, Bergmann zauważa: „Klasa Broadway Connection jest najbardziej zróżnicowaną i wszechstronną salą teatralną w kraju. Pracujący profesjonaliści dają wgląd w to, co jest wymagane do udanej kariery zawodowej, a także pokazują tancerzom technikę, kreatywność i hojność, które zapewnią rozwój zarówno jako tancerzy, jak i jako istoty ludzkie ”.
Kennedy podsumowuje: „Prosimy, abyś wniósł do pracy najbardziej pozytywne i otwarte ja. Przynieś pytania, które możesz mieć, a także przynieś znalezione informacje. Zachęcamy do eksploracji i skupienia się na dyscyplinie, abyś mógł się uczyć. To wszystko z kolei pozwala nam się dobrze bawić ”.
Przez Chelsea Thomas z Taniec informuje.
Zdjęcie (u góry): artyści z Broadway Connection. Zdjęcie: Krista Greves.
